Кто написал картину "Мона Лиза" ("Джоконда")? Художник картины? Кто написал картину


35 тайн знаменитых картин

Практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть.

Музыка на ягодицах

Иероним Босх, "Сад земных наслаждений", 1500-1510.

Фрагмент части триптиха

Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты. Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала "песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет".

Обнаженная Мона Лиза

Знаменитая "Джоконда" существует в двух вариантах: обнаженная версия называется "Монна Ванна", ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.

Старый Рыбак

В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари написал картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.

Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).

А был ли кит?

Хендрик ван Антониссен «Сцена на берегу».

Казалось бы, обычный пейзаж. Лодки, люди на берегу и пустынное море. И только рентгеновское исследование показало, что люди собрались на берегу не просто так - в оригинале они рассматривали тушу кита, выброшенного на берег.

Однако художник решил, что никто не захочет смотреть на мертвого кита, и переписал картину.

Два "Завтрака на траве"

Эдуард Мане, "Завтрак на траве", 1863.

Клод Моне, "Завтрак на траве", 1865.

Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают — ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».

Двойники на "Тайной вечере"

Леонардо да Винчи, "Тайная вечеря", 1495-1498.

Когда Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю», он придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго искал натурщиков для них. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет. Но однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.

"Ночной дозор" или "Дневной"?

Рембрандт, "Ночной дозор", 1642.

Одна из самых известных картин Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» около двухсот лет провисела в разных залах и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства.

И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём. Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия — не более 14 часов.

Перевернутая лодка

Анри Матисс, "Лодка", 1937.

В Нью-Йоркском Музее современного искусства в 1961 году была выставлена картина Анри Матисса «Лодка». Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне. Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус — это отражение первого на глади воды.Для того, чтобы не ошибиться в том, как должна висеть картина, нужно обратить внимание на детали. Больший парус должен быть верхом картины, а пик паруса картины должен быть направлен в правый верхний угол.

Обман в автопортрете

Винсент ван Гог, "Автопортрет с трубкой", 1889.

О том, что ван Гог якобы сам отрезал себе ухо, ходят легенды. Сейчас наиболее достоверной считается версия о том, что ухо ван Гог повредил в небольшой потасовке с участием другого художника - Поля Гогена.

Автопортрет же интересен тем, что отражает реальность в искаженном виде: художник изображен с перевязанным правым ухом, потому что он при работе использовал зеркало. На самом деле пострадало левое ухо.

Чужие мишки

Иван Шишкин, "Утро в Сосновом лесу", 1889.

Знаменитая картина принадлежит не только кисти Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.

Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

Невинная история "Готики"

Грант Вуд, "Американская готика", 1930.

Работа Гранта Вуда считается одной из самых странных и угнетающих в истории американской живописи. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.На самом деле художник не задумывал изображать никаких ужасов: во время поездки по штату Айова и он заметил небольшой дом в готическом стиле и решил изобразить тех людей, которые, по его мнению, идеально подошли бы в качестве обитателей. В виде персонажей, на которых так обиделись жители Айовы, увековечены сестра Гранта и его дантист.

Месть Сальвадора Дали

Картина "Фигура у окна" написана в 1925 году, когда Дали был 21 год. Тогда в жизнь художника еще не вошла Гала, и его музой была сестра Ана Мария. Отношения брата и сестры испортились, когда он на одной из картин написал "порой я плюю на портрет собственной матери, и это доставляет мне удовольствие". Ана Мария не смогла простить такой эпатаж.

В своей книге 1949 года "Сальвадор Дали глазами сестры" она пишет о брате без всякого восхваления. Книга привела Сальвадора в бешенство. Еще лет десять после этого он гневно вспоминал ее при каждом удобном случае. И вот, в 1954 появляется картина "Молодая девственница, предающаяся содомскому греху при помощи рогов собственного целомудрия". Поза женщины, ее локоны, пейзаж за окном и цветовая гамма картины явно перекликаются с "Фигурой у окна". Есть версия, что так Дали отомстил сестре за ее книгу.

Двуликая Даная

Рембрандт Харменс ван Рейн, "Даная", 1636 - 1647.

Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии — супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс — любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.

Желтая спальня Ван Гога

Винсент Ван Гог, "Спальня в Арле", 1888 - 1889.

В мае 1888 года Ван Гог обзавелся небольшой мастерской в Арле, на юге Франции, куда он сбежал от не понимающих его парижских художников и критиков. В одной из четырех комнат Винсент обустраивает спальню. В октябре все готово, и он решает нарисовать «Спальню Ван Гога в Арле». Для художника очень важен был колорит, уют комнаты: все должно было наводить на мысли об отдыхе. При этом картина выдержана в тревожных желтых тонах.

Исследователи творчества Ван Гога объясняют это тем, что художник принимал наперстянку — средство от эпилепсии, которое вызывает у пациента серьезные изменения в восприятии цвета: вся окружающая действительность окрашивается в зелено-желтые тона.

Беззубое совершенство

Леонардо да Винчи, "Портрет госпожи Лизы дель Джокондо", 1503 - 1519.

Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза — совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. «Она так «улыбается» именно из-за того, что произошло с нею, — считает эксперт. — Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы».

Майор на фейсконтроле

Павел Федотов, "Сватовство майора", 1848.

Публика, впервые увидевшая картину "Сватовство майора", смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.

Почему Свобода обнажена

Фердинан Виктор Эжен Делакруа, "Свобода на баррикадах", 1830.

По мнению искусствоведа Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки — прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев. Художник изобразил ее с обнаженной грудью. По его замыслу, это символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии: нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета.

Неквадратный квадрат

Казимир Малевич, "Черный супрематический квадрат", 1915.

На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет — это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.

Специалисты Третьяковской галереи обнаружили авторскую надпись на известной картине Малевича. Надпись гласит: «Битва негров в темной пещере». Эта фраза отсылает к названию шутливой картине французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», представлявшей собой абсолютно черный прямоугольник.

Мелодрама Австрийской Моны Лизы

Густав Климт, "Портрет Адели Блох-Бауэр", 1907.

На одном из самых значительных полотен Климта запечатлена жена австрийского сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра. Вся Вена обсуждала бурный роман Адели и знаменитого художника. Уязвленный муж захотел отомстить любовникам, но выбрал очень необычный способ: он решил заказать Климту портрет Адели и заставить его сделать сотни эскизов, пока художника не начнет выворачивать от нее.

Блох-Бауэр хотел, чтобы работа продлилась несколько лет, и натурщица могла видеть, как угасают чувства Климта. Он сделал художнику щедрое предложение, от которого тот не смог отказаться, и все сложилось по сценарию обманутого мужа: работа была закончена за 4 года, любовники давно остыли друг к другу. Адель Блох-Бауэр так никогда и не узнала, что муж был в курсе ее отношений с Климтом.

Картина, вернувшая Гогена к жизни

Поль Гоген, "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?", 1897-1898.

Самое известное полотно Гогена имеет одну особенность: оно "читается" не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался художник. Именно в этом порядке разворачивается аллегория духовной и физической жизни человека: от зарождения души (спящий ребенок в правом нижнем углу) до неизбежности смертного часа (птица с ящерицей в когтях в левом нижнем углу).

Картина была написана Гогеном на Таити, куда художник несколько раз сбегал от цивилизации. Но в этот раз жизнь на острове не задалась: тотальная бедность привела его к депрессии. Закончив полотно, которое должно было стать его духовным завещанием, Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы, чтобы умереть. Однако он не рассчитал дозу, и суицид не удался. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. А в 1898 году его дела пошли в гору, и в творчестве начался более светлый период.

112 пословиц на одной картине

Питер Брейгель — старший, «Нидерландские пословицы», 1559

Питер Брейгель — старший изобразил землю, населённую буквальными изображениями нидерландских пословиц тех дней. В написанной картине присутствуют приблизительно 112 распознаваемых идиом. Некоторые из них используются и по сей день, например, такие, как: «плыть против течения», «биться головой о стену», «вооружен до зубов» и «большая рыбка ест маленькую».

Другие пословицы отражают человеческую глупость.

Субъективность искусства

Поль Гоген, «Бретонская деревня под снегом», 1894

Картина Гогена «Бретонская деревня в снегу» была продана после смерти автора всего за семь франков и, к тому же, под названием «Ниагарский водопад». Человек, проводивший аукцион, случайно повесил картину вверх ногами, разглядев в ней водопад.

Скрытая картина

Пабло Пикассо, «Голубая комната», 1901

В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение — портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», — объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.

Недоступные марокканки

Зинаида Серебрякова, «Нагая», 1928

Однажды Зинаида Серебрякова получила заманчивое предложение — отправиться в творческое путешествие, чтобы изобразить обнаженные фигуры восточных дев. Но оказалось, что в тех местах найти натурщиц просто невозможно. На помощь пришел переводчик Зинаиды — он привел к ней своих сестер и невесту. Никому до этого и после этого не удавалось запечатлеть закрытых восточных женщин обнаженными.

Спонтанное озарение

Валентин Серов, «Портрет Николая II в тужурке», 1900

Долгое время Серов не мог написать портрет царя. Когда художник совсем сдался, он извинился перед Николаем. Николай немного расстроился, сел за стол, вытянув руки перед собой... И тут художника осенило — вот он образ! Простой военный в офицерской тужурке с чистыми и грустными глазами. Этот портрет считается лучшим изображением последнего императора.

Опять двойка

© Федор Решетников

Знаменитая картина «Опять двойка» — это всего лишь вторая часть художественной трилогии.

Первая часть — «Прибыл на каникулы». Явно обеспеченная семья, зимние каникулы, радостный ученик-отличник.

Вторая часть — «Опять двойка». Небогатая семья с рабочей окраины, разгар учебного года, понурый обалдуй, опять схвативший двойку. В левом верхнем углу видна картина «Прибыл на каникулы».

Третья часть — «Переэкзаменовка». Сельский дом, лето, все гуляют, один злостный неуч, проваливший годовой экзамен, вынужден сидеть в четырёх стенах и зубрить. В левом верхнем углу видна картина «Опять двойка».

Как рождаются шедевры

Джозеф Тёрнер, «Дождь, пар и скорость», 1844

В 1842 году миссис Симон путешествовала на поезде по Англии. Внезапно начался сильный ливень. Пожилой джентльмен, сидевший напротив нее, встал, открыл окно, высунул голову и так смотрел минут десять. Не в силах сдержать свое любопытство, женщина тоже открыла окно и стала смотреть вперед. Через год она обнаружила картину «Дождь, пар и скорость» на выставке в Королевской академии художеств и смогла узнать в ней тот самый эпизод в поезде.

Урок анатомии от Микеланджело

Микеланджело, «Сотворение Адама», 1511

Пара американских экспертов в области нейроанатомии считают, что Микеланджело на самом деле оставил некоторые анатомические иллюстрации в одной из его самых известных работ. Они полагают, что в правой части картины изображен огромный мозг. Удивительно, но можно найти даже сложные его компоненты, такие как мозжечок, зрительные нервы и гипофиз. А броская зеленая лента идеально совпадает с местонахождением позвоночной артерии.

«Тайная вечеря» Ван Гога

Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе», 1888

Исследователь Джаред Бакстер полагает, что на полотне Ван Гога «Ночная терраса кафе» зашифровано посвящение «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. В центре картины стоит официант с длинными волосами и в белой тунике, напоминающей одежды Христа, а вокруг него ровно 12 посетителей кафе. Также Бакстер обращает внимание на крест, расположенный прямо за спиной официанта в белом.

Образ памяти у Дали

Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931

Не секрет, что мысли, посещавшие Дали во время создания его шедевров, всегда были в виде очень реалистичных образов, которые художник затем переносил на холст. Так, по признанию самого автора, картина «Постоянство памяти» была написана в результате ассоциаций, возникших при виде плавленого сыра.

О чем кричит Мунк

Эдвард Мунк, "Крик", 1893.

Мунк так рассказывал о появлении у него идеи одной из самых загадочных картин в мировой живописи: "Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу". Но что за закат мог так напугать художника?

Есть версия, что идея "Крика" родилась у Мунка в 1883 году, когда произошло несколько сильнейших извержений вулкана Кракатау - настолько мощных, что они изменили на один градус температуру атмосферы Земли. Обильное количество пыли и пепла распространилось по всему земному шару, добравшись даже до Норвегии. Несколько вечеров подряд закаты выглядели так, будто бы вот-вот настанет апокалипсис - один из них и стал источником вдохновения художника.

Писатель в народе

Александр Иванов, "Явление Христа народу", 1837-1857.

Десятки натурщиков позировали Александру Иванову для его главной картины. Один из них известен не менее самого художника. На заднем плане, среди путников и римских всадников, еще не слышавших проповедь Иоанна Предтечи, можно заметить персонажа в корчиневом хитоне. Его Иванов писал с Николая Гоголя. Писатель тесно общался с художником в Италии, в частности по религиозным вопросам, и давал ему советы в процессе написания картины. Гоголь считал, что Иванов "уже давно умер для всего мира, кроме своей работы".

Подагра Микеланджело

Рафаэль Санти, "Афинская школа", 1511.

Создавая знаменитую фреску "Афинская школа", Рафаэль увековечил своих друзей и знакомых в образах древнегреческих философов. Одним из них стал Микеланджело Буонаротти "в роли" Гераклита. Несколько столетий фреска хранила тайны личной жизни Микеланджело, а современные исследователи сделали предположение, что странно угловатое колено художника свидетельствует о наличии у него болезни суставов.

Это вполне вероятно, если учесть особенности образа жизни и условий работы художников эпохи Возрождения и хронический трудоголизм Микеланджело.

Зеркало четы Арнольфини

Ян ван Эйк, "Портрет четы Арнольфини", 1434 г.

В зеркале позади супругов Арнольфини можно увидеть отражение еще двух человек, находящихся в комнате. Скорее всего, это свидетели, присутствующие при заключении договора. Один из них — ван Эйк, о чем свидетельствует и латинская надпись, помещенная, вопреки традиции, над зеркалом в центре композиции: «Ян ван Эйк был здесь». Так обычно скрепляли контракты.

Как недостаток превратился в талант

Рембрандт Харменс ван Рейн, "Автопортрет в возрасте 63", 1669.

Исследователь Маргарет Ливингстон изучила все автопортреты Рембрандта и обнаружила, что художник страдал косоглазием: на изображениях его глаза смотрят в разные стороны, чего не наблюдается на портретах других людей кисти мастера. Недуг привел к тому, что художник лучше мог воспринимать реальность в двух измерениях, чем люди с нормальным зрением. Это явление называется "стереослепота" - неспособность видеть мир в 3D. Но так как живописцу приходится работать с двухмерным изображением, именно этот недостаток Рембрандта мог быть одним из объяснений его феноменального таланта.

Безгрешная Венера

Сандро Боттичелли, "Рождение Венеры", 1482-1486.

До появления "Рождения Венеры" изображение нагого женского тела в живописи символизировало только идею первородного греха. Сандро Боттичелли первым из европейских живописцев не нашел ничего греховного в нем. Более того, искусствоведы уверены, что языческая богиня любви символизирует на фреске христианский образ: ее явление - аллегория возрождения души, прошедшей обряд крещения.

Лютнист или лютнистка?

Микеланджело Меризи да Караваджо, "Лютнист", 1596.

Долгое время картина экспонировалась в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Только в начале ХХ века искусствоведы сошлись во мнении, что на полотне изображен все-таки юноша (вероятно, Караваджо позировал его знакомый художник Марио Миннити): на нотах перед музыкантом видна запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Женщина вряд ли могла сделать такой выбор — это просто тяжело для горла. Кроме того, лютня, как и скрипка у самого края картины, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.

Смотрите также:

Facebook

Вконтакте

Twitter

Google+

Pinterest

Одноклассники

cameralabs.org

20 самых странных картин в мировой живописи

Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.

Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.

Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.

«Крик»

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.Национальная галерея, Осло.

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.Музей изящных искусств, Бостон.

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.Музей королевы Софии, Мадрид.

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.Лондонская национальная галерея, Лондон.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло.Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.

Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».

«Апофеоз войны»

Василий Верещагин. 1871, холст, масло.Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.

Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».

«Американская готика»

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см.Чикагский институт искусств, Чикаго.

Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.

«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

«Влюбленные»

Рене Магритт. 1928, холст, масло.

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.

Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

«Прогулка»

Марк Шагал. 1917, холст, масло.Государственная Третьяковская галерея.

«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

«Сад земных наслаждений»

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло.Прадо, Испания.

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.

Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

«Три возраста женщины»

Густав Климт. 1905, холст, масло.Национальная галерея современного искусства, Рим.

Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.

Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.

Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

«Семья»

Эгон Шиле. 1918, холст, масло.Галерея «Бельведер», Вена.

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.

«Две Фриды»

Фрида Кало. 1939.

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.

В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.

«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

Клод Моне. 1899, холст, масло.Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.

Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.

«Номер 5, 1948»

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Жоан Миро. 1935, медь, масло.Фонд Жоана Миро, Испания.

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

«Эрозия»

Яцек Йерка.

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972.

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

Источник: adme.

Facebook

Вконтакте

Twitter

Google+

Pinterest

Одноклассники

cameralabs.org

Кто написал картину "Тайная вечеря"?

Тайная вечеря,последний ужин Христа со своими учениками на кануне Крестного пути, описан во всех четырех Евангелиях.Эта последняя трапеза изображалось на многих христианских иконах и многими художниками.

Эта фреска принадлежит великому Леонардо да Винчи.Писалась она в течении трех лет с перерывами(1495-1498).Размер 460*680 см,находится в трапезной монастыря Санта - Мария - дела Грация.За счет верной передачи перспективы изменила направление развития живописи.

Русский священник и философ Флоренский А П писал,что Леонардо да винчи передал пространство особой ценности,но не отразил реальности,не передал духовного содержания события.У зрителя изображение не вызывает душевного переживания и трепета,он чувствует себя сторонним наблюдателем.

Тайная вечеря Якопа Тинторетто,настоящая фамилия Робусти (1548-1594гг). Венеция,Италия.Последняя картина этого художника, написана для венецианской церкви Сан-Джордже Маджоре,где находится и посей день.Размер365*568см масло,холст.

Художник перенс действие в бедную таверну.Расположив стол по диагонали,и увеличивает пространство картины.За столом царит напряженная таинственная обстановка.Для усиления восприятия напряжения в правой половине картины расположено несколько действующих лиц,не имеющих к событию никакого отношения.стол как бы разделяет божественное и обыденное.

Никола Пуссен,Симон Вуэ,Рафаэль Санти,Козимо Россели,Юлиус Шнорр фонКарльсфельд,Маттиас Шейтс,Альбрехт Дюрер, Каспар Луикен,Поль Густав Доре,Джотто ди Бонтоне - это не полный перечень художников обращавшихся к сюжету тайная вечеря.

Среди русских художников наиболее известна картина Н Н Ге(1831-1894гг)

Картина написана в 1863 году,хранится в Третьяковской галере.Тайная вечеря Ге была признана официально, художнику было присвоено звание профессор Академии Художеств.Главная тема картины -раскол в рядах единомышленников.Автор показал христа как простого человека совершившего подвиг ради спасения людей.

Достоевский о картине Геquot;Всмотритесь внимательнее;это обыкновенная ссора весьма обыкновенных людей.Вот сидит Христос- но разве это Христос?Это может быть и очень добрый молодой человек; очень огорченный ссорой с иудой,который тут же одевается,чтобы идти доносить,но не тот Христос которого мы знаем.quot; И далее выражает сомнение,как из ссоры таких обыкновенных людей может произойти что-то колоссальное.

Отрицательные отзывы о сюжете тайной вечери говорят о трудности воспроизведения художественно идеи заключенной в словах.Восприятие идеи и образов высказанных словами у каждого разное,так же как восприятие и толкование идеи выраженные на картине.

Говоря о Тайной вечере,нельзя не упомянуть картину Сальвадора Дали.Картина была написана им в 1955году.Размер 167*268см ,масло,холст.Работа длилась три месяца.

В 1956году картину у Дали купил и подарил е национальной галерее в Вашингтоне, коллекционер Честер Дейл.В 1966году е назовут самой знаменитой картиной мира.Репродукций этой картины было продано больше,чем репродукций картин Леонардо да Винчи и Рафаэля Санти вместе взятых.

info-4all.ru

Кто написал картину "Мона Лиза" ("Джоконда")? Художник картины?

Кто написал картину "Мона Лиза" ("Джоконда")? Художник картины?

  • Самую знаменитую картину всех времн и народов quot;Мона -Лизаquot;(quot;Джокондаquot;) - полное название quot; Портрет госпожи Лизы дель Джокондо quot;написал великий живописец Возрождения Леонардо да Винчи. Картина находится в Лувре.

  • Картина называется Мона Лиза, или же Джоконда; полное ее название Портрет госпожи Лизы дель Джокондо. Автором этой знаменитой картины является итальянский художник эпохи Возрождения Леонардо да Винчи, который написал ее в 1514-1515 годах.

    В данный момент картина находится во французском музее quot;Луврquot;, в Париже.

    Размер картины 77 x 53 см, написана она маслом.

  • Портрет Джлконды Леонардо да Винчи всегда был окутан множеством легенд. Особенно много написано об улыбке Моны - Лизы. Такое впечатление от этой работы художника создат живописная техника сфумато излюбленная Леонардо. Это смягчение очертаний создающих ощущение лгкости и, как бы окружение находится в прозрачной дымке. Именно Леонардо широко использовал эту манеру исполнения и он же эту технику разработал.

  • Признанный шедевр всех времен и народов картину Мона Лиза написал гениальный человек, который обладал талантом художника, ученого, писателя, музыканта, изобретателя, итальянец Леонардо да Винчи. На картине он изобразил, как предполагают искусствоведы, молодую неаполитанку Мону Лизу, которая вышла замуж за знатного флорентийца Франческа дель Джокондо, отчего картина имеет второе название - Джоконда.

    Нежный образ женщины, изображенной на портрете с загадочной полуулыбкой на устах, являлся в разные времена эстетическим и философским символом. Слегка приоткрытые в уголках рта губы считались во времена Леонардо да Винчи признаком элегантности. Эта чуть заметная улыбка, нежная и загадочная, озаряет всю картину, поэтому, видимо, этот великолепный портрет неизменно вызывал восхищение ценителей искусства. Слава его еще более возросла, когда в 1911 году он был похищен и два года спустя был обнаружен в одном из отелей Флоренции.

    Сейчас портрет украшает один из залов картинной галереи в Париже - Лувре.

  • Картина quot;Мона Лизаquot; Леонардо да Винчи - знаменитое полотно гения эпохи Возраждения. Полное название картины quot;Портрет госпожи Лизы дель Джокондоquot;. Полотно написано примерно с 1503 по 1505 год. В данный момент картина выставлена во Франции, в Лувре. Этот шедевр бесценен, ведь сам Лувр выставил страховку в сумме 3 миллиардов! долларов.

  • Самую дорогостоящую картину всех эпох, самую легендарную и загадочную, неповторимую и великолепную, написал легендарный художник, изобретатель, ученый, писатель и музыкант, легендарный Леонардо Да Винчи.

  • Автор картины quot;Мона Лизаquot; (quot;Джокондаquot;) - великий ученый и талантливый художник Леонардо да Винчи.

    Полное название картины - quot;Портрет госпожи Лизы дель Джокондоquot;.

    Создана картина в начале XVI века. Это одна из самых известных картин в мире. А еще одна из самых загадочных. Никто не может до сих пор разгадать таинственную улыбку Моны Лизы.

    Картина в настоящее время находится в Лувре.

  • info-4all.ru

    Кто написал картину "Утро на Куликовом поле"? О чем она?

    <a rel="nofollow" href="http://www.maslovka.org/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=106" target="_blank" >Бубнов Александр Павлович (1908-1964)</a>. "Утро на Куликовом поле" 1943-1947. Холст, масло. 270x503см, ГТГ, Москва <img src="//otvet.imgsmail.ru/download/13376531601afc5dbc04525e03c9bf98_i-5729.jpg" > "Слово о полку Игореве" – начало всех начал русской литературы и русской живописи. Атмосфера "Слова о полку Игореве" чувствуется в цикле А. Блока "На поле Куликовом" и в картине Александра Павловича Бубнова "Утро на Куликовом поле". Раннее утро. Густой туман еще не рассеялся. Русское войско стоит среди поля неподвижно и молчаливо. Но как обманчива эта кажущаяся в первую секунду неподвижность. От фигуры к фигуре нарастает движение, оно сдержанно и выразительно. Напряжение ожидания, тревога и решимость отражены в лицах воинов. Убедительно и верно переданы градации этих состояний в лицах и позах умудренных опытом зрелых воинов, напряженно всматривающихся в даль, откуда должен появиться враг, и юношей, совсем еще мальчиков, в состоянии которых решимость сложить свою голову, перемешивается со страхом. Картина запечатлела тот звенящий момент ожидания битвы, когда рассеялся туман и русская рать увидела перед собой татар. Художник изображает на картине всю Русь: всех возрастов люди, всех сословий пришли сюда. Войско как бы бесконечно продолжается за пределами полотна. Ряды воинов сомкнуты. Одна фигура теснит другую, дальше видны новые и новые лица, словно огромная мощная лавина надвигается из глубины.. .Но вот взгляд зрителей останавливается на фигуре старика, опершегося всем телом на древко копья. И создается ощущение, будто движение всего войска остановлено, сдержано им, но через несколько мгновений эта лавина двинется дальше. Большая часть первого плана картины занята не людьми, а травами, полем. Это не только композиционный приём художника, это элемент глубоко содержательный: за Русскую землю и вышли сражаться герои картины. Без неё они ничто. Вот она, та Русская земля, которая скрылась за холмом, когда войско князя Игоря ("Слово о полку Игореве") выступило в поход. "О Русская земля, ты уже за шеломенем еси! " Отрывок из пьесы А. А. Блока "Песня судьбы": "Князь встал с дружиной на холме, земля дрожала от скрипа татарских телег, орлиный клекот грозил невзгодой. Потом поползла зловещая ночь, и Непрядва убралась туманом, как невеста фатой. Князь и воевода стали под холмом и слушали землю: лебеди и гуси мятежно плескались, рыдала вдовица, мать билась о стремя сына. Только над русским станом стояла тишина, и полыхала далекая зарница. Но ветер угнал туман, настало вот такое же осеннее утро, и так же, я помню, пахло гарью. И двинулся с холма сияющий княжеский стяг. Когда первые пали мертвыми чернец и татарин, рати сшиблись, и весь день дрались, резались, грызлись… А свежее войско весь день должно было сидеть в засаде, только смотреть, и плакать, и рваться в битву… И воевода повторял, остерегая: рано еще, не настал наш час. " <a href="/" rel="nofollow" title="6625:##:articles/519780/">[ссылка заблокирована по решению администрации проекта]</a>

    А что гугл сегодня не работает????

    А. П. Бубнов Композиция полотна построена с расчетом подчеркнуть сплоченность и монолитность русской рати. Куликовская битва раскрывается как народная эпопея. Русский народ – вот подлинный герой произведения. Картине “Утро на Куликовом поле” присуще чрезвычайно существенное для произведения на историческую тему качество – люди, изображенные на полотне, не воспринимаются “сквозь мглу веков”, не кажутся архаичными – наоборот, в них есть сила характеров, близких современным людям, и эти характеры обрисованы правдиво и убедительно. Бубнов сумел увидеть в воинах Древней Руси живых людей и это чувство передать зрителю.

    touch.otvet.mail.ru

    Сможете угадать, кто написал картину с обнаженным юношей -- художник-натурал, или нет?: shakko_kitsune

    Сможете ли вы отличить, какие из этих картин с изображением обнажённых юношей, написали художники-натуралы, а какие -- мужчины, известные своей, ммм.... разносторонней личной жизнью? Продолжаем тренировать глаз.

    Про то, как подобную натуру пишут женщины-художники, поговорили; посмотрели и как мужчины пишут свои автопортреты в аналогичном виде.Теперь, как я обещала, изучаем, есть ли разница между тем, как изображают мужское обнаженное тело те, кто его хочет, и те, кто просто его наблюдает. Подбирать старалсь только прямо вот железно документированную ориентацию по обоим пунктам (желательно судебными приговорами или 12 детьми), что достаточно ограничивает выбор, но вроде ничего подборка получилась.

    Итак, угадывайте: где авторы-геи?

    1.

    2

    3

    4

    5

    6

    7

    8

    9

    10

    Какие картины и рисунки из этих сделаны, по вашему мнению, сторонниками нетрадиционной любви? (робот на пошлые слова, не индексируй, не идексируй меня, не исключай из всяких рейтингов) На основе каких ощущений вы сделали свой выбор?Пишите пожалуйста в комментарии свое мнение, свой путь размышлений.Я это прошу не только потому, что мне интересно (а мне интересно, и я честно все читаю), но и потому, что когда вы складываете свои мысли в слова, вы тренируете дополнительный мускул своего разума, дополнительно прокачиваете навык размышлять, а это весьма полезно.

    Ответы под катом:[Spoiler (click to open)]1) ДА! Луис Кабальеро, "Без названия", 19852) НЕТ Хусепе Ривера. "Пьяный Силен". 16263) ДА! Константин Сомов. "Боксер", 19334) НЕТ Густав Курбе. "Борцы". 18535) НЕТ. Ренуар. "Мальчик с кошкой". 18686) ДА! Караваджо, "Иоанн Креститель", ок. 15987) ДА! Том Финляндский, "Без названия", 19788) НЕТ (ну, если только по пьяни). Тициан. "Святой Марк на престоле со святыми". Ок. 15109) НЕТ. Эдвард Берн-Джонс. "Филлида и Демофонт". 187010) ДА! Симеон Соломон. "Любовь, дремлющая на берегу моря", 1871

    shakko-kitsune.livejournal.com

    18 самых странных картин мировой живописи

    Живопись, если не брать в расчет реалистов, всегда была, есть и будет странной. Но некоторые картины страннее других.Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то - затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые - удивляют непомерной ценой.

    AdMe.ru тщательно просмотрел все главные достижения в мировой живописи и выбрал из них два десятка самых странных картин. В подборку не вошли картины Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум.

    "Крик"

    Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастельНациональная галерея, Осло

    "Крик" считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире. Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре версии "Крика", и есть версия, что картина эта - плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

    "Я шел по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу", - говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

    "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?"

    Поль Гоген. 1897-1898, холст, маслоМузей изящных искусств, Бостон

    По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево - три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, "старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям", у ее ног "странная белая птица... представляет бесполезность слов".

    Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что: "Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее". Он прожил еще 5 лет, так и получилось.

    "Герника"

    Пабло Пикассо. 1937, холст, маслоМузей королевы Софии, Мадрид

    "Герника" представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. "Это сделали вы?" - "Нет, это сделали вы".

    Огромное полотно-фреска "Герника", написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц - первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя."Портрет четы Арнольфини"

    Ян ван Эйк. 1434, дерево, маслоЛондонская национальная галерея, Лондон

    Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками - вплоть до подписи "Ян ван Эйк был здесь", что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.

    Портрет, предположительно, Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения. В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

    "Демон сидящий"

    Михаил Врубель. 1890, холст, маслоТретьяковская галерея, Москва

    Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчеркивает стесненность фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.

    Сам художник говорил о самой известной своей картине: "Демон - дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый".

    "Апофеоз войны"

    Василий Верещагин. 1871, холст, маслоГосударственная Третьяковская галерея, Москва

    Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно "натюрмортом" - на нем изображена "мертвая природа". Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею "Апофеоза войны" выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

    Верещагин - один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: "Больше батальных картин писать не буду - баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого". Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина "Апофеоз войны", на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.

    "Американская готика"

    Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 смЧикагский институт искусств, Чикаго

    Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта. "Американская готика" - один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий. Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли "Готику" как "юмористическую валентинку", а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

    "Влюбленные"

    Рене Магритт. 1928, холст, масло

    Картина "Влюбленные" ("Любовники") существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом - "смотрят" на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные - загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

    Едва ли не все картины Магритта - это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

    "Прогулка"

    Марк Шагал. 1917, холст, маслоГосударственная Третьяковская галерея

    "Прогулка" - это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица - он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе. Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

    "Сад земных наслаждений"

    Иероним Босх. 1500-1510, дерево, маслоПрадо, Испания

    "Сад земных наслаждений" - самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

    Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму ее тщеты и образы земной любви, другие - торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

    "Три возраста женщины"

    Густав Климт. 1905, холст, маслоНациональная галерея современного искусства, Рим

    "Три возраста женщины" одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая - выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя - неизменное постоянство и конфликт с реальностью. Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

    "Семья"

    Эгон Шиле. 1918, холст, маслоГалерея "Бельведер", Вена

    Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния. "Семья" - его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это - наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от "испанки" умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет, спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и не рожденного ребенка.

    "Две Фриды"

    Фрида Кало. 1939

    История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма "Фрида" с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: "Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего". Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи ее картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода. В одной из лучших картин - "Две Фриды" - она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.

    "Мост Ватерлоо. Эффект тумана"

    Клод Моне. 1899, холст, маслоГосударственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

    При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большое расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.

    "Номер 5, 1948"

    Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло

    Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита - самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу. "Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получаются грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь".

    "Мужчина и женщина перед кучей экскрементов"

    Жоан Миро. 1935, медь, маслоФонд Жоана Миро, Испания

    Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн. Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятия, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как "полные отвращения и гадливой сексуальности".

    "Эрозия"

    Яцек Йерка

    Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну - для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться подробней.

    "Руки противятся ему"

    Билл Стоунхэм. 1972

    Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная - это факт. Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От "из-за этой картины умирают" до "дети на ней живые". Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов. Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь - представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла - проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности. Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина - "с привидениями". "Руки противятся ему" купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

    mix.tn.kz